클로드 드뷔시 [Achille Claude Debussy, 1862.8.22~1918.3.25]

프랑스의 작곡가. 드뷔시의 개성적인 양식은 현상적으로는 선법에 의거, 음색적인 계기를 뚜렷이 표면에 내세워 바로크 후기 이후 오랫동안 지배적이었던 기능화성법에 의한 고전적 조성을 극복하고, 나아가서는 주제 법·율동 법 분야에도 점차 혁신을 가져오게 했다.

[출처] 클로드 드뷔시 [Achille Claude Debussy ] | 네이버 백과사전

옛것을 새롭게 다루어 현대감각 창출을 한 드뷔시의 음악은 새로운 형식들과 함께 낭만주의가 불러온 더욱 중요한 변화는 고전주의에 완성된 음악적 형식에 대한 기본개념들이 차츰 붕괴되기 시작했다는 것이다. 이 같은 움직임은 인상주의에서 현대음악으로 넘어가는 음악사적인 발전과 관련하여 중요한 의미를 지니는 것이다. 낭만주의가 서양 음악사 한에서 지니는 위치와 중요성은 낭만주의 특유의 철학과 이념에서 기인한 움직임이 현대적 음악 어법을 출현시키기에 이르렀다는데서 찾을 수 있다. 낭만주의 작곡가들에 의해 확장된 조성의 개념과 화음구조는 인상주의로 넘어가면서 명백히 현대적 사조의 출현을 짐작할 수 있게 한다. 음악에 있어서의 인상주의는 여러 가지 면에서 회화와 문학의 인상주의 사조와 일맥상통하는 점이 많다. 드뷔시 라벨 등 불란서 작곡가들을 중심으로 퍼져간 인상주의 사조는 음악적 내용이나 구조보다는 소리 자체의 색체감과 분위기를 중요시하는 것이 특징이다. 인상파 화가들의 그림은 언제나 멀리서 감상해야 그 참된 효과를 감지할 수 있도록 모든 대상들을 뚜렷이 제시하지 않고 전제적인 분위기만을 암시하곤 하는 것이다. 이 같은 인상주의의 이상은 음악에 있어 선율의 윤곽을 뚜렷이 드러내지 않고 화성적 구조의 기능적 측면보다는 색채적 측면을 강조함으로서 이루어졌다. 소리 자체가 지닌 톤 컬러의 변화에서 오는 막연한 분위기의 창조에 이바지하게 되는 것이다. 드뷔시는 사실 전통적인 화성 구조를 개조한 것은 아니었다, 그는 단지 자신이 원하는 음악적 의도를 충족시키기 위해 고전시대와 낭만시대로부터 전해 받은 화음들을 전시대 작곡가들과는 다른 방식으로 다루었을 따름이었다. 드뷔시는 주로 화음의 방향을 바꾸거나 속도에 변화를 가하러나 함으로써 화성 구조의 기능적 측면이 드러나지 않게 처리하곤 하였는데, 이는 화음의 움직임보다는 소리 자체에 듣는 사람의 주의를 집중시키기 위해서였다. 이 같은 드뷔시의 화음 처리 방식은 결과적으로 고전주의 시대에 있어 음악적 형식의 토대를 이었던 화성 구조의 기능적인 측면의 약화를 초래하지 않을 수 없었다. 왜냐면 고전주의 화성이 지닌 기능성은 각 화음의 방향성에 의해 규정되는 것이었기 때문이다. 드뷔시는 고전주의 형식이 도전 받기 시작했던 낭만주의 마지막 선상에 서서 새로운 음악에의 포문을 연 장본인이다.  출처: 고전 음악 어떻게 들을 것 인가 -저자 임현경

●내가 치는 곡: Claude Debussy "L`isle joyeuse" (기쁨의 섬)

1. 작곡 동기 :1904년에 완성한 피아노 독주곡이며, 풍부한 표현력과 상상력, 그리고 그림 같은 색채성이 넘쳐흐르는 곡으로 이 곡은 드뷔시가 18세기 프랑스 화가 와토가 그린〈시테르 섬으로의 순례〉를 보면서 얻은 영감에 의해 작곡되었다고 한다.<기쁨의 섬>이란 곡명은 루우브르 박물관에 있는 프랑스의 화가 와토의 명화 키테라 섬에의 순례에서 착상된 것이라고 한다. -출처 :네이버 지식인

(시테르 섬으로서의 순례)

2.평론가의 말씀

<기쁨의 섬>은 연애지상주의자이기도 한 드뷔시가, 이른바 애정감각이 남달리 날카로워서 신화시대의 미의 여신 비너스에 대한 노스탤지어를 환상적으로 그렸다고 볼 수 있다. 하긴 <기쁨의 섬>을 들으려면 와토의 그림을 보면서 감상하는 것이 이상적이겠지만 드뷔시 못지않게, 아니 그보다 더 상상력을 동원하여, 시테르 섬에 사는 비너스를 머리 속에 그리면서 감상하는 것이 제격이 아닐까 한다. <김원구·음악평론가> -출처: 네이버

3.음악적인 분위기

<기쁨의 섬>은 드뷔시의 많은 작품들 가운데서 가장 밝은 곡이다. 드뷔시가 시테르

섬에 가서 비너스와 사랑의 대화를 나누는 매우 관능적인 열락을 보여준다. 피아노라는 한 개의 악기로 연주되지만 교향악적인 음향을 내는가 하면 피아노가 지닌 모든 기법을 구사하고 있어서 이를 데 없이 우아하고도 화려하다. -출처: 네이버

4.내가 생각하는 기쁨의 섬이란

내가 이곡을 처음 받았을때 굉장히 난해하고 애매했었다, 처음 다루어보는 인상주의 음악을 내가 어떻게 쳐야할지 많은 고민이 되었다. 처음에 난 제목이 기쁨의 섬이란 소리에 정말 기쁘게만 치면 될줄 알았다. 하지만 드뷔시에 대해 전혀 몰랐을때 그런 연주를 하게 된것이다. 드뷔시가 인상주의 음악을 작곡하였으면, 인상주의 음악은 무언가 몽롱하고 몽환적인 분위기를 내야 한다는 것을 알고는 곡의 분위기 파악부터 바꾸어야 겠다는 생각이 들었었다. 곡의 파트를 나누면서 이부분의 분위기에 대해 알아보려고 생각하고, 드뷔시가 색채적인 부분을 중요시 한다는 것을 알고는 한음 한음 색채를 나타내고 싶었다. 기쁨의섬 분위기 자체가 굉장히 드뷔시다운 면이 보인다. 속도를 조절하면서 다양한 화음들이 나오 면서 어울리는 화음소리들이 드뷔시의 색채감을 잘 보여줄 수 있는 곡이라는 생각이 들었다. 기쁨의 섬을 치기 위해서는 곡의 분위기와, 어떠한 색채를 같고 쳐야할지 많은 생각이 필요한  곡인 것 같다.

(드뷔시 기쁨의 섬 스스로 해석하기)

기쁨의 섬은 첫마디부터 트릴이 나오는데 이 부분에서 트릴을 가만히 하면 안되고 크레센도와 데크레센도의 적절한 조화가 필요로 하다 . 또한 앞부분이 반복되는 마디가 5마디가 나오게 된다. 그러므로 5마디 모두 다른 색깔을 내어 치는것이 중요하다 반복되는 마디가 똑같다 보면 다소 지루하게 느껴질 수 있기 때문이다. 3번째 마디에서 왼손에 멜로디가 나오는데 이것을 색채감 있게 표현해 내는 것 이 관건이 된다. 6번째 마니에서는 스포르잔도가 나오는데 이것을 때리면서 치게 되면 올바른 소리가 아니다. 7마디에서부터는 오른손의 트릴과 함께 왼손의 꾸민음 이라고 해도 될 만큼 음이 빠르게 지나간다. 오른손의 트릴은 음들이 가만히 있는 것 보다 다이나믹을 하면서 음들을 진행시키는 것이 음악의 효과적인 것 같다. 9마디부터 오른손에 멜로디가 나오게 되는데 멜로디 라인을 지키고 리듬적인 면에서 좀 익살스럽게 치는 것 이 음악적으로 더 성숙하게 들린다.11마디 부터는 라의 음이 중요하다는 것을 알아야 하며, 밑에 소리들은 반주처럼 소리를 줄여서 라 음을 중요시 치고 있다는 것을 느끼게 해야 한다 12마디에서는 왼손을 노래불러야 하며 여기서도 베이스처럼 라음이 나오는데 이소리를 무게감을 조금 실어서 쳐야한다. 또한 오른손의 라# 도#의 멜로디라인을 살려서 쳐야한다. 14마디에서부터는 오른손의 음들을 역할을 나누어야 한다. 즉 윗소리의 라인을 살려서 윗소리가 들리고 밑에 소리는 반주처럼 조금은 작게 치는 것이 좋다 왼손과 오른손 모두 크레센도를 하여  retenu(즉각속도를 늦추다)의 표현을 살려야 한다 다시 피아노로 와서 앞에 나왔던 멜로디가 나오는데 미,라 즉 5도 관계에 있는 이 두음의 유의 하며 쳐야 한다 17마디에서 처음으로 메조포르테가 나오는데 이 메조포르테의 컬러가 중요하다 또한 오른손에 나오는 멜로디와 반주의 역할 분담, 그리고 피아노와 메조포르테와의 대조적인 느낌을 주어야 한다. 19마디부터는 새로운 멜로디 라인이 나오기 시작하는데 솔(Base)를 소리를 빼고 치면 굉장히 허한 소리가 나게 된다. 왼손의 멜로디를 살려주고 5마디가 계속 반복되는데 단조롭지 않게 다이나믹을 살려서 쳐야 지루하지 않은 음악이 될 수 있다.21마디에 나오는 왼손에 약간 들뜨게 하여 라는 지시가 나와있다. 25마디는 앞에서 잠잠히 쳤던 것과는 조금 다른 부분이다. 그렇지만 메조포르테라고 해서 너무 세게 친다면 이것은 드뷔시의 색깔이 아니다. 또한 25마디를 들어가기 전에 호흡을 하고 새로운 기분으로 무언가 들어가는 느낌이 있어야 분위기가 조금은 다르게 느껴 질 수 있다. 26마디는 라,미 베이스를 중요시 하게 치고 28마디 부터는 새로운 부분이다. 즉 28마디 들어가기 전에 호흡과 함께 새로운 느낌을 갖고 치며 왼손의 멜로디 오른손의 중요한 음이 무엇인지 생각하고 그음을 중점으로 소리 내어 멜로디뿐만 아니라, 음악적인 면을 표현하여야 한다.36마디부터는 앞에 분위기와 비슷한 패턴이지만 멜로디가 변화 되고 왼손이 좀 더 구체적인 멜로디로 변화 되기 시작한다. 40마디에서는 쪼였다 풀어줬다 하는 기분으로 음을 좀 더 쫄깃쫄깃 1하게 해주 는게 필요하다 하지만 이게 너무 과하면 음악이 지저분해 보이거나, 팔로 치게 되면 또랑또랑한 소리가 없어지므로 주의해야 한다.44마디는 36마디부터 44마디까지의 비슷한 멜로디인데 44마디부터 51마디까지 앞에 부분과 비슷하나, 조금음의 변화를 준 것으로 보인다.52마디에 드뷔시는 처음으로 포르테의 기호를썻다. 어떤의미가 있을지 생각해 보아야 한다. 오른손의 트릴이 나오는데 이 트릴을 일관성있게 쭉 치는 것 보다는 다이나믹의 효과를 주어서 표현하는 것이 좋을 것이다. 60마디에서는 라,시의 음을 중요시 치는 것 이 중요하고 62마디에서는 라,레#,시 63마디에는 레#,시,레# 이 음을 중요시 쳐야 한다. 그리고 64마디에서 다시 맨 처음에 나왔던 멜로디가 나오는데 이것은 67마디에 새로운 멜로디가 나오기 전에 연결 다리라고 생각하면 좋다, 67마디에 새로운 멜로디는 서정적이고 아름다운 선율이다. 화음이 나오는데 윗소리를 살려서 치는 것이 좋으며 드뷔시는 이 부분은 속도를 낮추어 매우 자유롭게 연주하라는 지시를 내렸다. 이 부분을 어렵게 생각할 수 있는데 4마디씩 서로 연관되어 있는 것을 알 수 있다. 67마디부터 98마디까지는 자유롭고 서정적인 멜로디로 쳐야하면 메조포르테와 피아노의 대조, una corda의 적절한 사용이 필요로 한 부분이며 왼손이 계속 반복되는 부분을 멜로디의 라인을 살려서 쳐야 한다.99마디는 a tempo로 돌아와서 아르페지오 같은 선율들이 많이 나오기 시작 한다 102마디에서 레,파#가 이음줄이 되어 나오는데 이음줄과 더불어 정말 두음밖에 없지만 이 부분을 살려주는 것이 중요한 부분이 된다.105마디부터는 왼손의 멜로디가 나오기 시작 한다 오른손은 반주처럼 아르페지오와 같은 멜로디로 피아노 건반 위를 왔다 갔다 한다. 그러므로 오른손보다는 멜로디인 왼손을 좀 더 들어나게 쳐주는 것이 좋다. 117마디에서 부터는 약간 들뜨고 인상적으로 치라는 지시가 있다. 비슷비슷한 멜로디와 구조가 반복되다가 137마디에서 점점 크레센도를 해서 140마디에서 살짝 루바토를 시켜서 141마티 포르테의 느낌을 살려서 표현하여야 한다.141마디에서 크레센도 데르레센도를 함께 표현해주는 것이 효과적이다. 145마디 에서는 새로운 멜로디가 왼손의 반복되는 부분을 좀더 체계적으로 다이나믹을 해서 지루하지 않게 해야 하고 오른손은 가벼운 리듬으로 활기 있게 쳐야 한다. 148마디에서는 왼손이 주된 멜로디가 된다. 오른손의 시♭의 베이스를 살려줘야 한다. 154마디는 새롭게 변형되는데 오른손의 레,파#,미의 소리를 들어야 하면 왼손은 약간 밀고 당기는 듯 한 리듬으로 쳐주면 좋다. 점점 크레센도를 하여서 156마디 포르테를 살려주어야 하며 158마디 159마디는 완전히 무게를 실어서 포르테의 절정에 치달은 듯 한 느낌을 주어야 한다. 160마디부터 맨 처음 나왔던 멜로디가 왼손이 변형되어 나온다. 오른손과 왼손 모두 가벼운 리듬으로 쳐주는 것이 좋다.166마디는 왼손이 주된 멜로디로 되고 오른손은 솔 (Base)음을 빠지지 않게 치는 것이 중요하다. 166~181마디까지 비슷하게 멜로디들이 흘르 다가 182마디에서 포르데로 분위기가 변화되면서 무슨 일이 일어날지 궁금증을 생각하게 하는 멜로디로 흐른다 186마디에서는 처음 나오는 멜로디가 나오는데 이 부분은 긴장감을 갖고 리듬을 타는 것이 중요하다 분위기 자체가 앞에서 나왔던 것 들과는 전혀 다른 분위기 이므로 분위기 자체를 파악하는 것이 중요하다.196마디에서는 왼손과 오른손 모두 크레센도를 하여서 200마디에 나오는 포르테를 극적으로 표현 해야 한다. 204마디에서는 앞에 나왔던 크레센도와 반대되기 때문에 호흡을 하고 들어가서 분위기 전환을 시키고 다시 208마디에서 나오는 포르테를 위해 크레센도를 하여 포르테를 표현하여서 213마디에 분위기를 바꾸고 216마디에서는 왼손의 박자가 약간씩 밀고 당기는 것을 느껴야 한다.219마디에서는 220마디에 나오는 포르테 시모의 느낌을 위해 219마디에서 살짝 루바토를 하여서 들어가는 것이 좋으며, 220마디에서는 포르테 시모의 무게감을 느낄 수 있도록 쳐야한다. 주의 할 점은 때려서 치면 안 된다. 윗소리를 살려서 멜로디를 흐르도록 하며 이 부분도 복잡해 보일 수 있지만 4마디씩 서로 연관성이 있다는 것을 알면 파악하는 것이 쉬워질 수 있다. 246마디에서는 맨처음 나왔던 멜로디가 나온다. 이 부분은 이곡에서 하이라이트 부분 이다. 드뷔시는 끝까지 더욱더 활기 있게 라는 지시를 내렸다. 248마디부터 251디까지 4마디가 반복되는데 이 부분은 크레센도를 하여서 252부터 255마디 즉 곡의 끝부분으로 가기 위한 마지막 하이라이트 부분의 연결 다리라고 생각하면 좋다. 또한 4마디가 반복되는데 단조롭지 않게 다이나믹의 효과를 주어야 한다 252마디 포르테시시모 부분은 마지막 하이라이트다 254마디에 라 음을 또랑또랑 하게 소리 내어야 한다. 마지막 이 하이라이트 부분은 끝까지 긴장을 늦추지 않고 더욱더 힘차게 나아가야 한다.

(스스로 작품을 해석한 뒤)

처음에는 드뷔시작품을 처음 쳐봐서 막연히 치기만 했는데 내가 스스로 곡에 대한 해석을 하고 나니까 곡을 어떻게 쳐야할지 조금은 구상이 잡히게 된 것 같다. 다음에 어떤 곡을 치더라도 막연히 연습만하지 말고 내가 스스로 어떻게 치는게 좋을지 생각하고 쳐야 겠다. 나 스스로 해석해서 틀린 것 도 있겠지만 틀린 부분들은 어떤 방향으로 고쳐나가야 할지 생각하는 것도 좋은 방법이 될 수 있을 것 같다. 해석을 통해 드뷔시의 작품 성격도 알수 있었고, 곡의 분위기 파악과 함께 더불어 구체적으로 체계적으로 연습할 수 있도록 길을 열 수 있게 해준 것 같다. 곡을 해석하고 생각하는 것도 연습 만큼 중요한 요소가 된다는 것도 알게 되었다.

5.드뷔시의 작품

☞들을 지나는 바람 (Le vent dans la plaine)

1910년에 드뷔시는 “스쳐지나가며 세계를 이야기하는 바람의 말 이외에는 누구의 충고도 듣지 말자”라고 기록한 바 있다. 본래 파발의 시에 나오는 이 제목을 드뷔시는 폴 베를렌의 시 ‘나른한 희열’을 통해 알게 되었다. 여러 형태의 트릴과 급작스러운 강약의 차이가 인상적이다.

☞달빛 쏟아지는 테라스 (La terrasse des audiences du clair de lune)

피에르 로티의 인도에 관한 책에서 차용한 제목으로서, [베르가마스크 모음곡]의 ‘달빛’보다 훨씬 구체적이고 다채로우며 유혹적인 달빛의 모습을 그린 작품.

☞불꽃 (Feux d'artifice)

스크리아빈의 [불꽃을 향하여]를 예견한 듯한 작품. 제목이 주는 이미지 그대로 고도의 테크닉과 엄청난 다이내믹을 수반하는 곡으로서, 스물 네 곡의 전주곡 가운데 가장 격정적이고 난해한 곡이다.

-출처: 네이버 지식인

이외에도 굉장히 많은 곡들을 작곡한 드뷔시의 음악적인 위대함은 이루 말할 수 가 없다. 드뷔시는 난해한 곡들만 작곡 한다는 비판을 받기도 했지만 드뷔시의 음악을 하나하나 살펴보면 그는 자신의 곡에서 자신이 하고 싶은 말을 드뷔시의 방식대로 음악을 쓴 것 이다. 현대 곡의 문을 열어준 작곡가인 만큼 그의 독특한 색깔과 색채감은 이루 말 할 수 없을 것이다. 그의 음악적인 분위기를 알고 그가 지닌 색깔이 무엇인지 안다면 드뷔시의 음악을 이해하고 듣는데 있어서 난해하다는 생각보다는 색깔 있고 개성적인 작곡가의 곡이라는 생각을 갖게 될 것이다.

6.피아노 작품 이외

1915년 드뷔시는 다양한 악기를 위한 6개의 소나타를 시리즈로 작곡할 생각을 하였는데 그 중에 3곡만이 작곡 되었다. 그 중에서 제일 먼저 작곡된 곡이 첼로소나타이다. 드뷔시는 나머지 3곡을 작곡하지 못한 채 직장암으로 쓰러져서 사망을 하게 되었다. 외형적으로는 고전 스타일을 닮았지만 2세기 동안이나 알려지지 않은 프랑스 기약의 전통이 새로운 형태로 부활한 것 이라고 할 수 있다.20세기의 첼로 소나타 중에서는 매우 독자적인 작품이라 말할 수 있겠다.

-출처:네이버 블로그

드뷔시가 작곡한 첼로 소나타를 들었을 때 생각보다 많은 기교가 있을 줄 알았는데 기교적인 면보다도 멜로디 라인을 살리려는 것이 느껴졌었다. 또한 드뷔시가 지닌 독특한 색채감과 화성적인 면이 보여서 역시 드뷔시답다 라는 생각을 하게 만들었다. 드뷔시가 피아노곡 이외에 작곡한 작품에서 드뷔시의 정서적인 면을 좀 더 알 수 있게 된 것 같다.

7.드뷔시가 음악적으로 기여한 일

드뷔시는 낭만 음악에서 현대음악으로 넘어가는 기점에서 중요한 역할을 해낸 것 같다 화성적인 부분과 더불어 고전에서 강조해오던 형식적인 틀에서 벗어나 좀 더 음악의 자유로움 색깔을 중요시하게 만든 것 같다. 그러므로 현대작곡가들의 작품을 보면 굉장히 자유롭고 음악적인 형식에서 벗어난 느낌을 받게 된다. 이처럼 드뷔시는 음악사적으로 현대작품의 많은 기여를 한 사람이다.